Il personaggio in divenire
Ricordando la figura di Gillo Dorfles

di Giorgio Casati Nuova Meta - Numero 40



 

Per Gillo Dorfles le due tipologie filosofiche: quella scientifica e quella umanistica procedevano parallelamente con osmosi continue.

Gillo mi ricordava che Platone scrisse sulla porta dell’Accademia “Non entri nessuno che sia ignorante di geometria”, infatti egli riteneva fondamentale che i suoi alunni studiassero la geometria perché proprio la geometria doveva aprire la strada al regno delle idee.

Oggi davanti alla sua salma, ricordo unicamente gli eventi piacevoli dei nostri incontri. In particolare la Sua visione sistemica, plurale e cosmogonica, del Suo sapere filosofico e in particolare estetico.

Per quanto ne ho capito, Gillo ha vissuto le Sue culture come un’insieme organico e sistemico; tanto che un giorno a Como, presso il Teatro Sociale, era il 2013, feci presente che mi era difficile presentare la Sua personalità, per me, troppo vasta da poter essere riassunta in poche immagini. gli espressi che consideravo, visivamente, la Sua cultura- in forma di matriosca- dove la figura dicritico di estetica, conteneva quella distorico dell’arte, e questa di storico del costume, e, ancora quello di pittore e scultore, e infine la più preziosa quella di filosofo. Lui sorrise senza darmi risposta.

Per questo mi fa piacere ricordare alcuni tratti del Suo pensiero che si riscontra nel Suo fare.

Il pensiero filosofico di Dorfles

A mezzo secolo dalla comparsa presso la casa editrice Nistri-Listri di Pisa, il preziosoDiscorso tecnico sulle artidi Gillo Dorfles (1952) e a riproporlo, in una bella e già ricca collana di estetica,erano lemilanesi Christian Marinotti edizioni (2002) Come l’autore ricorda nella premessa a questa ristampa, il libro era comparso con una prefazione, che equivaleva a un’imprimatur, firmata da Francesco Flora. Il testo dell’autorevole crociano non è stato ripreso in questa seconda edizione, e sotto il profilo filologico c’è –forse- da rammaricarsene, ma il sacrificio è stato- penso- imposto da un’esigenza di chiarezza. È infatti innegabile che la prefazione di Flora datava, in certo modo, il libro – che viceversa di per sé mostra di mantenere ancoroggi la freschezza di un piccolo classico – riportandolo, incongruamente, all’interno di una prospettiva che Dorfles, proprio con quelle sue pagine, decisamente superava.

Il Discorso era, infatti, un’operazione culturale antidealistica, di grande efficacia e nettezza. Opera di pensiero, di un pensiero innovatore, ilDiscorsonella sua incisiva parte iniziale mette bene a fuoco quanto accomuna le arti e lo fa analizzando temi e problemi quali lo stato nascente della creazione artistica e la vita dell’immagine, nonché il significato di: ritmo, ordine, proporzione, simmetria, spazio e tempo: ma non senza subito sottolineare, di questi, la diversificata incidenza e il vario precisarsi all’interno delle singole arti. “Lo studio dei fenomeni artistici è dei più delicati e difficili: difficile perché richiede la precisione, l’esattezza d’una scienza esatta; delicato, perché dovrebbe essere trattato con la dolcezza e la levità con cui si trattano i fiori che stanno per sbocciare”. Si legge questo programma agli inizi delDiscorso. Bisogna dire che in quest’opera Dorfles, maestro di cartesiana chiarezza e di pascaliano “esprit de finesse”, e ha fornito un’attuazione memorabilmente persuasiva.

Ho iniziato a ricordare questa Sua opera che, senza timore, definirei la prima opera filosofica,per la completezza del Suo pensiero e il Suo sincero entusiasmo sulle arti, anche le più attuali. Nell’introduzione di questa Sua opera così si esprime:"… L’arte è qualcosa di indipendente e sovrano d’intinamente legato a una civiltà a una storia. Per questo, la mia intenzione è di considerare dell’arte, solo il lato vivo e operante, di considerare l’opera d’arte nel suo manifestarsi e agire, di non indagare le origini, la storia, gli stili. Vorrei solo rintracciare nei singoli linguaggi artistici quel principio formativo che li accomuna e li unifica, riuscire a discernere il comun denominatore e il filo conduttore, che dall’uno permette di passare all’altro,…”Tanto da ricevere una lettera (arrivata a Dorfles, ma non ancora ritrovata) critica di Benedetto Croce che riteneva la Sua analisi estesa a campi, non propriamente artistici,bensi connessi a forme sperimentali discutibilmente classificabili in un contesto prettamente artistico, quali la fotografia, il cinema, il design.

“Includere tutto quanto non può essere escluso dal discorso estetico”; questo potrebbe essere il principio orientativo che ha sempre guidato la ricerca di Gillo Dorfles nel campo dell’estetica, cominciata tra primo e secondo Novecento. Tale principio, ci ricorda Luca Cesari, potrebbe rappresentare anche il criterio adottato nell’ordinare il “libro di una vita”, la cui vastità è conseguenza della vita intellettuale particolarmente ampia del suo autore. Al confronto, le restrizioni schematiche di tanti indirizzi filosofici o estetici paiono preoccupazioni di una scolastica che ha interesse nel creare partizioni: che cosa sia estetica, che cosa rientri in essa e che cosa no.

Per inciso mi permetto di suggerire la consultazione di buona parte del Sup percorso filosofico attraverso lo studio della raccolta sistematica eseguita da Luca Cesari in “Estetica senza dialettica: scritti dal 1933 al 2014”, editato da Bompiani, nel 2016, che raccoglie per intero l’orientamento del pensiero di Gillo, sin dalla sua origine, sin dal primo grado della sua iniziazione, somiglia più a una grande introduzione anziché a un libro consuntivo. Ampiezza, ribadisce Cesari, secondo i canoni della disciplina che non possono essere scissi, che già i fondatori della stessa (e tra essi Vico e Baumgarten) dettavano come suoi protocolli consapevoli che delimitare un sapere come l’estetica vuol dire circoscrivere un sistema “complesso” (Il pensiero filosofico di Dorfles, commentato da Luca Cesari).

Non potremmo pensare all’autore dell’Estetica del mito (e di quanti altri miti filosofici dell’estetica) senza pensare contemporaneamente all’autore di“Nuovi riti, nuovi miti. Dal significato alle scelte, La perdita dell’intervallo”. Innalzare dighe tra l’uno e l’altro sarebbe incomprensibile, proprio in virtù di quell’aisthesis cui sempre essi risalgono, nell’arte, nella conoscenza, nell’”estetica del quotidiano”.

In particolare in“Artificio e natura” Dorfles introduce il suo studio con una considerazione: citando la nota frase di Hegel - l’uomo si raddoppia -, frase che, se applicata alle arti, intende confermare che se le “cose della natura” sono date una sola volta, l’uomo, invece, si raddoppia, in quanto esiste per sé come oggetto naturale, ma esiste anche come creatore – a sua volta – di altri oggetti artistisi in quanto oggettualizzazioni/rappresentazioni di lavori da lui pensati, progettati e realizzati.

Ritengo che l’acutezza di indagine psico-sociologica presente nel trattato“Dal significato alle scelte” sia il momento più alto del pensiero di Dorfles non tanto nell’ambito estetico bensi in quello socio-economico e prevalentemente politico. La capacità di indagare i processi che portano l’uomo, in quanto essere pensante, a scegliere, o meglio preferire una musica, un oggetto di arredo, un vestito, …, un alimento, …un partito politico, fanno parte di quelle invarianti della mente umana che fa preferire una cosa all’altra, un colore ad un altro, un cibo salato ad uno dolce. In altre parole basare il proprio stile di vita sulla “preferenzialità”: sia essa etica sia essa estetica.

Raffrontano così il pensiero mitico, ribadisce Cesari, rileggendo Cassirer, Schelling e Vico, avvertendo l’originalità che scaturisce ancora dalla facoltà fantastica postulata da Croce, il pensiero di Gillo ripercorre in modo audace tutte le esperienze, anche quelle che il suo secolo ha scacciato.

L’impressione che il lettore può trarre, inoltrandosi in così tanti spazi e dimensioni che circoscrivono oltre ottant’anni di pensiero e di esercizio critico svolto nel sondare sia le profondità sia le superfici, sarà quella di incontrare uno spirito che ha sempre superato il banale senso di equilibrio e il dignitoso veto imposto agli uomini di “scienza” di non oltrepassare la frontiera stabilita. In altri termini il lettore si accorgerà che l’autore ha sempre perorato la “libertà di scelta”: come filosofo, come critico, come artista.

L’Industrial Design secondo Dorfles; conversazione con Giorgio Casati

Giorgio Casati: Lo sviluppo e l’evoluzione del design è legato a fattori estrinseci di carattere culturale e sociologico, ed intriseci come qualità dei materiali, della tecnologia e della raffinatezza esecutiva.

Indubbiamente il design ha radici profonde nell’arte e nel periodo di prima industrializzazione del novecento. Non a caso l’industria tessile è stata la prima a produrre industrialmente tessuti, in particolar modo in Inghilterra.

Friederich Engels ne fa una bellissima illustrazione nell’introduzione de “La situazione della classe operaia in Inghilterra” e William Morris, dal 1840, produce le sue stoffe con mirabili disegni e colori. È però solo con il liberty tedesco (jugendstil) e la secessione viennese (sezessionstil) ed ancora con la Bauhaus di Weimar (1919-32) che il design si sviluppa ed estende – se pur con tirature artigianali – a molti prodotti: posate, mobili, lampade,…

Così anche Thonet, lui si in quantità industriali, dal 1850 produce sedie, poltroncine, tavoli, … in faggio curvato.

Gillo Dorfles: Naturalmente, questo in un secondo tempo, ma non c’era ancora una produzione industriale di serie. Non alla fine dell’800, ma,salvo poche eccezioni: Borletti,Bianchi,Beretta,e poche altre industrie, solo alla fine degli anni ‘30 comincia ad esserci un vero design di serie; prima c’era il design ma non la serie. Il vero design deve essere una vera produzione di serie. Questo comincia solo negli anni ‘30.

Il merito culturale di questa svolta lo si deve alla perspicacia del Gruppo di Zurigo: Max Bill, poi Max Huber, trasmettono a Gianni Monnet del MAC e allo Studio Boggeri di Milano i concetti teorici base dell’evoluzione del design in ambito industriale.

 

G.C.: In Italia il design si è sviluppato nel dopoguerra soprattutto a Milano, a Torino e, successivamente, in Brianza.

Pensiamo a grandi industriali quali Pirelli, Borletti, Necchi, Olivetti, Alessi, nei più disparati campi; nel settore automobilistico Alfa Romeo, Lancia, Ferrari, Maserati, con la collaborazione anche di carrozzieri come Bertone e Zagato, e nell’arredo B&B, Cassina, Flos, Artemide, Kartel, Zanotta, e tanti altri...

G.D.:Abbastanza recentemente … Le macchine da cucire sono uno dei primi esempi su scala industriale, infatti i primi esempi importanti sono proprio quelli della Singer che, negli Stati Uniti, a partire dal 1870 produrrà già oltre 200.000 esemplari l’anno, per raggiungere nel 1915 - nel mondo - i tre milioni di macchine e, negli anni ’30, impianterà una sede anche a Monza. La Borletti, per citare una ditta italiana, tra il 1880 e il 1895 si mise a produrre industrialmente dapprima orologi da tasca, poi con sveglia, e successivamente macchine da cucire.

 

G.C.: La qualità del design a Milano, Torino e, per auto e moto, in Emilia è diventato uno dei fattori propulsivi della produzione, estendendo gli effetti estetici in altre nazioni, in particolare Germania e Giappone.

G.D.:Sì, Torino e Milano sono contemporanee.

Su scala internazionale il design italiano arriva tardi, c’è prima quello scandinavo e tedesco, il primo design connesso all’arredo che ha avuto uno sviluppo internazionale è quello svedese con Ilmari Tapiovaara, Eero Saarinen e altri, quello italiano viene dopo.

 

G.C.: Quali sono, nell’ambito del design, le influenze italiane su altre realtà?

G.D.:Tutto il settore connesso all’ alimentare, dalle stoviglie alle posate; ad esempio la famosa pesciera di Roberto Sambonnet e il vassoio “Tiffany” di Silvio Coppola. Direi che questo tipo di design è tipicamente italiano. In particolare la Alessi, fondata nel ’21, ha avuto il merito di ricercare nuove tipologie formali – a partire dal ’55 con Ettore Sottsass, Achille Castiglioni, Aldo Rossi;In questo settore l’Italia è stata, dopo il periodo jungendstil, all’avanguardia.

 

G.C.: Anche le mostre di design ebbero il merito di stimolare una miglior qualità dei prodotti. Ricordo solo le prime esposizioni di Monza a Villa Reale (1923), la Triennale di Milano, e quelle di Cantù (Selettiva del mobile) e Mariano Comense (Biennale dello standard dell’arredamento).

Queste ultime, meno conosciute ma altrettanto efficaci, affiancavano a industrie nascenti grandi designer italiani ed europei.

G.D.:Sì, la mostra “Arti decorative “ di Monza, promossa dall’allora presidente dell’Umanitaria Guido Marangoni, si aprì al mondo dell’arredo invitando, anche, una ditta russa “Baranvski” che presentava prodotti artigianali in una saletta decorata con un murale di Vsevolade Nicouline.

Il primato passò poi alla Triennale di Milano. Anche in tutta Europa si organizzarono mostre, in particolare dedicate all’arredo: in Olanda ad Utrech, in Belgio a Bruxelles, in Germania a Colonia, in Svizzera a Ginevra; queste manifestazioni hanno avuto molta importanza nel far conoscere il più innovativo design italiano.

 

G.C.: Vi furono poi artisti e designer italiani ed europei che influirono sulla qualità del design come Bruno Munari, Carlo De Carli, Gio Ponti, e alcuni grandi industriali quali Adriano Olivetti, Castelli (Kartell), Gismondi (Artemide), e successivamente industrie della Brianza come Molteni, Lema, Poliform, che indirizzarono e sostennero manifestazioni che hanno avuto effetti benefici sulla qualità produttiva fino al Salone del Mobile, alla Milanomadeindesign e alla futura esposizione permanente, degli oggetti premiati con il Compasso d’Oro, che verrà allestita in via Bramante a Milano a cura di dell’Associazione per il Disegno Industriale (ADI).

G.D.:Non solo in Italia, ma anche dalla vicina Svizzera ci giunsero contributi fondamentali allo sviluppo del design, in particolare dal solito Max Bill, il Gruppo di Zurigo: Richard Paul Lohse, Camille Graeser e altri. Lo studio Boggeri di Milano è una derivazione della Svizzera. Gli svizzeri, come Max Huber, hanno portato allo studio Boggeri certe qualità, certe regole che poi sono diventate italiane, ma erano già svizzere.

Questo in Italia arriva solo con Nizzoli, Munari, Andries Van Onck, i fratelli Castiglioni, Zanuso, ma in un secondo tempo.

A quell’epoca Gio Ponti non è ancora un designer, disegna ceramiche con i fiorellini, si tratta sostanzialmente di un artigianato elevato, ma non di un vero design. La produzione industriale riqualificherà sempre di più la qualità degli oggetti.

 

G.C.: Oggi il valore e la valenza del design sono legati, anzi dettati dal grado culturale e dal gusto di chi acquista quell’oggetto….

G.D.: Una volta non c’era il design e quindi non c’era nemmeno la coscienza del fatto in serie.

Le aste, oggi, battono alcuni pezzi storici d’arredo di Gio Ponti, Albini, Sottsass J. a prezzi di alto livello. Il pezzo di design viene considerato un oggetto d’arte. Anche la coscienza dell’artisticità del design è abbastanza recente e va ad accrescere il valore del design stesso…

 

Ho voluto riproporre, uno stralcio dell’intervista a Gillo Dorfles che feci nel 2016 perché mi sono accorto, mentre stendevo quell’intervista, che il “segreto” dell’artisticità di una nuova disciplina – e qui mi riferisco alla disciplina del design, della moda o alla fotografia (oggi scontato, ma tutt’altro, negli anni ’50 del novecento) era ed è l’altissima qualità che determina oggi come all’ora la differenza tra opera d’arte e prodotto artigianale. Può sembrare un’ovvietà, ma cosi non è. I nuovi linguaggi artistici si evolvono seguendo la casualità dei processi storici che in un’epoca avanzano nel Nord Africa, in una seconda fase nell’Europa Mediterranea e nel Medio Oriente e sucessivamente in Oriente, poi in Estremo Oriente (dal Myanmar al Giappone) e, forse, contemporaneamente all’area del MesoAmerica.

Perché questa considerazione molto, troppo estesa, perché solo cosi possiamo paragonare l’opera d’arte per noi indiscutibilie, quale l’architettura, considerata dalla cultura classica –la madre delle arti- alla nascita delle nuove arti. Quando le culture antiche costruirono i loro luoghi sacri, le loro tombe con i loro recinti sacri, gli osservatori astrali; le loro infrastrutture (mura di cinta delle città, acquedotti/ponti; serbatoi-cisterne); essi erigevano opere ritenute fondamentali alla sopravvivenza e per esprimere ed elevare a miti: gli Dei, i monarchi e i loro eroi, senza ancora definire tali manufatti,vere e proprie ”opere d’arte”. È questo il motivo per cui chi non ha una visione lunga e chiara dell’evoluzione umana non riesce a interpretare quali saranno le nuove discipline che domani entreranno a far parte dell’arte, anche quella effimera. Una nuova arte ha già, da tempo, mosso i primi passi in questa prestigiosa sfera semidivina: la grande cucina (anche se gli antichi attribuivano un’altissimo valore, sia nelle culture classiche, così come in estremo oriente, dove viene considerato, non solo il risultato finale,bensì,l’intero processo di preparazione di alcuni cibi particolarmente delicati). Cosi come un domani poco lontano, ammireremo non solo L’arte del Giardino o, del creare grandi Parchi, addomesticando la natura del paesaggio: come abbiamo imparato dall’estremo Oriente e, più recentemente, dalla cultura inglese, ma anche, l’ammirare una fioritura (del ciliegio o dei pruni), in quanto stà cambiando –in tutti i settori dell’arte il fattore tempo. Comprendiamo come un’opera d’arte ci può suggestionare e rimanere impressa nella nostra memoria anche se l’evento è durato pochi attimi,proprio come uno sguardo, una carezza, un bacio fugace ha provocato in noi una emozione duratura e, in qualche caso, tale da essere immortalata nella nostra memoria. Quella che Dorfles chiarisce quando, sempre neI’lntroduzione al ”Discorso tecnico delle arti”: Giustificazione di un’analisi tecnica dei linguaggi artistici; Gillo chiarisce del come considerare il concetto di tempo: …Tempo, però, può essere sucessione d’istanti immobili uno accosto all’altro, oppure uno disgiunto dall’altro, in una reciproca posizione che possiamo già considerare spaziale; spaziale in quanto discontinua o spaziale anche nell’ammissione d’una continuità del loro fluire? Istanti successivi, ho detto, ma precedenti o seguenti? Istanti, rinnovamento comunque, di quiete o di moto, in cui l’opera vive e, vivendo crea. Il rinnovamento e il cambiamento dell’arte- in positivo e in negativo (degrado)- è un cambiamento connesso all’evoluzione e involuzione del contesto socio-economico e culturale. Così nel linguaggio, nel comportamento, nell’attività politica o nei rapporti economici. L’artista è colui che segnala e anticipa positivamente con opere d’arte e negativamente con opere kich; anche questa pare un’osservazione ovvia, ma qualcuno non la considererà tale se osserverà con attenzione le opere messe all’asta dalle maggiori case.

Alcuni anni fa, un’alta dirigente della notissima casa d’aste Sotheby’s mi confermò che il discrimine non era la bellezza dell’opera (in quel caso alcuni lavori in ceramica) ma il loro valore di mercato che doveva superare un certo importo, indipendentemente dal contenuto estetico dell’opera.

Il vero artista è, quindi, colui che ci aiuta a capire i grandi mutamenti del gusto e dei valori ovvero dove la cultura odierna ci indirizza; tanto più oggi dove non basta più aggiornarci culturalmente perché i fronti aperti sono troppi,alcuni dei quali così lontani dalla nostra professionalità da non essere presi neppure in considerazione, ad esempio quelli chimici, bio-fisici, matematici, astronomici che- a mio avviso- definiscono le nuove e future frontiere dell’arte, che l’artista dovrà –con una narrazione più semplice e analogica- esprimere graficamente o con installazioni, per renderla intellegibile alla gente.

Lo stupore e la curiosità di Gillo

Quest’altre considerazioni le ho volute svolgere prima di descrivere lo stupore e la curiosità di Gillo di fronte alla realizzazione di: un mosaico, una acquaforte-acquatinta, una nuova ceramica, di un tappeto o di un multiplo in legno massello. Il Suo interesse partiva con il voler conoscere tutto il processo esecutivo,verificarlo con prove e riesecuzioni e, il preparare schizzi o il riproporre opere già eseguite portando con se schizzi o copie dei lavori da apprestare, con uno scrupolo, anche nel periodo oltre i Suoi cent’anni, ammirevole.

Questo è uno dei Suoi segreti, ovvero osservare e chiedere, con modestia, quale fosse il metodo migliore per esprimere il Suo pensiero estetico, con un nuovo materiale o una diversa tecnica, per poi reinterpretarlo nel modo più attinente al progetto grafico (acqueforti) o, a quello ceramico, selezionando solo alcuni smalti che –prima dell’uso- sono tutti grigi: chiari o scuri, ma solo grigi, che –con la cottura- assumono il loro colore finale...

Il Suo insegnamento- per me- è stato quello che le opere entrano nella sfera dell’arte se confacenti al percepire attuale, dell’oggi, debbono non solo essere narrazioni inedite bensì eseguite con intelligenza e cura esecutiva. In tal modo, queste opere, potranno entrare in quelle strutture che l’uomo riporrà- con cura- nei luoghi di conservazione per essere tramandate e disponibili nel domani.